Использование фотографий в творчестве художника

Что же такое это самое «Изобразительное искусство». Тот же самый ресурс говорит нам: «Изобрази́тельное иску́сство — раздел пластических искусств, вид художественного творчества. Понятие объединяет различные виды живописи, графики и скульптуры.»

Какие бывают его виды?

архитектура — искусство создавать здания, сооружения, комплекс сооружений.

графика — работа выполненная линиями, штрихами, на плоскости без красок.

декоративно-прикладное искусство — искусство украшать.

живопись — работа выполненная в цвете, красками, на плоскости.

скульптура — работа выполненная в объёме путём высекания, лепки, отливки.

фотоискусство — искусство создания художественной фотографии — то есть фотографии, отражающей творческое видение фотографа как художника.

От себя ещё хочу добавить, что в современном мире художником можно назвать и человека, который устраивает тематические перфомансы и создаёт какие-то аудиовизуальные эффекты, создающего 3Д объекты и всё цифровое искусство в целом, даже программистов, которые способны создать нэйросеть, которая в итоге будет создавать новые изображения на основе чего-то- можно в какой-то мере назвать художниками. То есть Художник- это нечто обширное и всеохватывающее, а не только лишь человек способный при помощи художественных материалов изобразить своего, родившегося в воображении персонажа, при этом ни на что не опираясь.

Что же я заметила среди неких сообществ художников? (Мы сейчас говорим больше о сообществах в соцсетях, потому обсуждаю именно эту категорию, то что касается союза художников, галерей и прочего- это вообще отдельная тема и отдельный мир) Полное неприятие и ярое осуждение работ в которых используется фотография. То есть, к примеру, стадики по фотографии могут приниматься «скрипя зубами», то что рисуется, используя реферансы - ещё одобряется, но лучше если ты всё нарисовал, использовав лишь свою фантазию и не использовав никаких инструментов, упрощающих процесс – вот тогда ты достоин внимания и твои работы даже разрешат где-то опубликовать и вообще по головке погладят. Всяческая работа, которая идёт поверх фотографии сразу закидывается «гнилыми помидорами».

Нет, я согласна с тем, что, если просто обрисовать в графическом редакторе косо-криво контуры объектов на фото и цветовые пятна, в итоге получив какого-то монстра, а потом выдавать это как авторский рисунок с нуля- это трэш. Я согласна с тем, что постоянно обрисовывая фотографии полностью, ты не научишься рисовать 100%. Но опять же, грамотную обрисовку, которая не нарушит анатомию, да ещё и добавив туда деталей, которых не было, изменив стилистику, сделав при этом изначальное изображение намного лучше интереснее –на то так же способно не так уж много людей и уж тем более не те, кто ничего не смыслит в рисунке и живописи. Грамотно это смогут сделать лишь те, у кого есть некая база знаний и практики. Знаете, если кто-то возьмёт кривое «сэлфи» и основываясь на нём, поверх отрисует нечто сюрреалистичное, фантастическое, фентэзийное или просто даже обработает это фото по контурам так, что нечто невнятное превратится в кутецкий портрет похожий на студийную фотографию- лично я бы это так же назвала произведением художника. Но эти работы не стоит выдавать на рисунки с нуля, всего лишь зритель должен понимать, что тут использована фотография и это практически отдельный поджанр изобразительного искусства.

Знаменитая работа Энди Уорхала «Ди́птих Мэрили́н» - признанная во всём мире создана на основе опять же, фотографии. В этом произведении, в первую очередь, была важна идея и актуальность темы.

Из Википедии:

Ди́птих Мэрили́н (англ. Marilyn Diptych) — знаменитое шелкографическое полотно американского художника Энди Уорхола, выполненное в стиле поп-арт.

Работа Уорхола над картиной началась спустя неделю после смерти Мэрилин Монро, в августе 1962 года. При помощи трафаретной печати художник нанёс на холст пятьдесят одинаковых изображений актрисы, позаимствованных с известной фотографии 1953 года, сделанной на съёмках фильма «Ниагара». Картина была завершена через несколько месяцев.

Двадцать пять изображений Монро в левой части диптиха ярко окрашены, в то время как изображения на другой половине выполнены в чёрно-белых оттенках, местами размыты, нечётки, бледны. Существует мнение, что, разделяя картину на невзрачную нецветную и яркую, насыщенную, цветную части, Уорхол ассоциировал их со столь же контрастными жизнью и смертью Мэрилин Монро

Фото-баш, фотомонтаж, коллаж – это так же произведения изобразительного искусства. Ты берёшь элементы чего-то уже существующего и на основе этого создаёшь нечто абсолютно новое! Для того, чтобы это сделать грамотно, кроме навыков работы в графическом редакторе, тебе точно так же потребуется идея, знание композиции, понимание того, как освещение влияет на изображение, тут точно так же работают законы перспективы и колористки. Разница между такими работами лишь в том, что авторы не пытаются заново создавать существующее и так, они модифицируют это самое существующее.

1 из 4

Если говорить о рисунках как токовых, то в прошлых веках, до изобретения фотографии и даже до появления письменности у них была определённая, функция- а именно передавать и «запечатлевать» информацию о том, что происходит в данный исторический период, как выглядели те или иные исторические персоны, во что люди верили, что было для них важным, даже передача мыслей и мнения по поводу тех или иных событий была зашифрована в многих картинах. Эстетическую роль они конечно так же играли, но это скорее, как по мне, наряду с функциональностью. Была ли эта информация достоверной? Это мы не узнаем наверняка, ведь кто знает, где что-то приукрасил, а где наоборот слишком «нагнетал ситуацию». Художники столетиями искали способы отображать действительность как можно достовернее. Из поколения в поколение участь друг у друга, а так же параллельно изучая множество других дисциплин. Над одной картиной работали годами и писать её могло несколько человек (художник и его ученики-подмастерья). Насколько помню, лишь в эпоху Возрождения начали понимать принципы воздушной перспективы и передачи объёма при помощи светотени. Писали ли они «Из головы»? Нет! Художники либо пользовались услугами натурщиков, либо им позировали сами заказчики. Только проставьте сколько времени натурщику приходилось высидеть молча и неподвижно и как это веселье продолжалось годами изо дня в день. Ну ладно, думаю не каждый день, ведь ещё подождать пока краски сохнут, чтобы наносить следующий слой. А вот уже с изобретением фотографии потребность «документальности» как таковой в рисунках отпала и упор начали делать на отображении идей и фантазий.

1 из 6

Если сравнивать рисование с натуры и с фотографий - референсов, да, конечно, бесспорно с точки зрения возможности исследования формы и объёма, строения, вариаций ракурсов, пластики, настроения – выигрывает живая натура, но это очень круто если у вас есть возможность пользоваться услугами натурщиков для каждого рисунка. Это очень круто, если вы можете уломать пару часов сидеть неподвижно ваших друзей или родственников, если их внешность схожа образами ваших героев в случае если вы хотите рисовать что-то сюжетное по своей идее, а не обычный портрет.

Да, так же можно делать скетчи людей в общественном транспорте, в кафе, в парке, но это в основном делается для тренировки, а не как основа какой-то конкретной работы. И тут на «на сцену» выходят фото-референсы. Чем они хороши? Их не нужно уговаривать) Ладно, если без шуток, то это огромная база фигур, внешностей, локаций, разновидностей предметов, текстур, в общем всего что нет в наявности «под рукой» у среднестатистического художника в реальности «здесь и сейчас». Да, анализировать и комбинировать это намного сложнее чем просто рисовать то, что видишь перед собой. Если говорить о рисунках где используются и изучаются очень много разных референсов, это тот же «коллаж из фотографий» только делается он не наглядно в графическом редакторе, где ты сопоставляешь мозаику из кусочков изображений, а в твоей голове, в последствие перенося это на бумагу или новый чистый лист в графическом редакторе. Если же говорить о «сатадиках» с одной фотографии, сейчас имею ввиду, конечно же, не случаи, когда клиент заказал тебе портрет по фото (коммерция отдельная тема), а именно том, что рисуется для себя, то они так же имеют место быть, почему нет? На чём-то же нужно тренироваться, если ты не ходишь в художку на уроки живописи в художественном учебном заведении, какие-то офлайновые курсы рисунка, где натурщик позирует для толпы студентов, если никого не можешь уломать попозировать- как учится и исследовать иначе? Невозможно вот так просто взять и не имея каких-то навыков и практики, намеренности на то что уже в мире существует, и внезапно выдать «шедевр» основываясь лишь на собственной фантазии, ведь даже она, результат обработки данных. Другое дело, что нельзя назвать полноценной «авторской работой» рисованную копию работы фотохудожника, фотографа, который придумал эту идею, работал моделью, выставил свет, обработал фотографию в именно этой тональности. А ещё я «обожаю» двойные стандарты, когда копирование мастеров эпохи возрождения- приветствуются, а вот современных мастеров- ни-ни, нельзя ни в коем случае. Не, ну а что, Леонардо да Винчи де явится в виде призрака и не будет мстить за кривую копию «Монны Лизы»

Когда я только начала рисовать в диджитале, посмотрела множество спидпэинтов, разных бесплатных уроков доступных на ютубе, интервью «художников –крутанов», я поняла одну вещь, которая вначале меня начала дико возмущать из за этого стереотипа том, что иллюстрация, это то что нарисовано из собственной фантазии с нуля. В основе многих крутецких фентазийных, игровых современных диджитал- артов лежат коллажи из изображений. Используются и 3Д объекты, которые просто куплены, а не созданы самими авторами, и фотографии с фотобанков. Фотобашинг и 3д активно и успешно используются везде и на самом деле это нормально, не нормальным является наше восприятие «хорошо» и «плохо». Что касается «традишки» тут тоже не всё так «из нуля в шедевр».Товарищи пишущее маслом на холстах, обожают метод печати на холсте фотографии чего- либо, от портрета заказчика до иконы для монастыря, а потом прописывая поверх этого красками. Так же существует множество «аналоговых» методов перенесения изображения. К примеру- использование проектора (проецируя не только свои эскизы) и копировальной сетки, суть которой- перенести контуры какого- либо изображения на другой лист, при этом всё можно масштабировать не теряя пропорций.

Что я этим хотела сказать? Нет, я не отрицаю, что есть те, кому практически не надо вспомогательных материалов, для создания художественных работ, что их навык и воображение настолько прокачаны. что их рука работает аки принтер воссоздавая детально изображение придуманное ими всецело «из головы», что есть те кто начинают рисовать с реснички, а в результате выдают «батальную сцену», но не только лишь подобные мастера достойны называться «Художниками». И пока во всём мире художники активно используют фотографии в своих работах, в некоторых сообществах, для публикаций в развлекательных группах, вообще никак толком не пересекающихся с понятием «искусство» не являющихся картинными галереями, работодателями, эскпертами, аукционистами, а являющихся исключительно представителями визуально эстетического контента для среднестатистического обывателя, позволяют себе фильтровать художников на «достойных» и «недостойных» не по качеству исполненных работ, а по тому каким образом они были исполнены, требуя для разрешения публикации предоставления референсов, этапов работы, для того, чтобы они сравнили «под ленеечку». Эта ситуация мне кажется очень смешной. Нет, я не автор которого забранили за «обмазы», всего лишь решила изучить те самые длиннотексты с правилами, которые нужно учитывать предлагая свои каракули в публики, где публикация «за бесплатно» даёт максимум «+» к ЧСВ в случае если она немножко лайков соберёт (интересно, платные тоже так фильтруются?). Да и если вообще отойти от темы пабликов, сами художники пренебрежительно относятся к тем, кто в своей работе использовал фотографию. Это же пренебрежение, ка по мне, заставляет некоторые виды подобного творчества уходить в «тень» и выдавать за рисунок то, что им не является всецело. Не лучше ли подавать пример качественных работ в любом жанре и технике, а не поощрять 100500-го «авторского» пони, который, не Дай Бог, чтоб по цвету гривы был похож на того,что у рисоваки публиковавшего перед тем нечто подобное.

Правда жизни в том, что большинство начинающих художников бросят всё это, дело со временем. Кто то изменит свои вкусы и приоритеты, кто-то разочаруется и разуверится во всём этом, а кто-то будет чувствовать себя «унылой какашкой» так и не найдя своей ниши в этих рамках «как должно быть правильно», которые навязывает сообщество и веяния моды и массовой культуры. Он не будет экспериментировать и пробовать что-то новое, только потому, что будет боятся осуждения за любую ерунду. Это то, к чему ведут подобные правила.